Definiciones

Alejamiento

Distancia del objeto al Plano Vertical

Cota

Distancia del objeto al Plano Horizontal

Proyecciones Ortogonales

Sistema de proyección que consiste en dos planos perpendiculares (ortogonales), Plano Horizontal y Plano Vertical, que se intersectan en la Línea de Tierra

A su vez, en este sistema se representan los objetos en cuestión según las perspectivas de cada plano; el Plano Horizontal muestra una visión desde arriba y el Plano Vertical muestra una visión desde adelante.

Sombra Real

Sombra que proyecta el objeto sobre la superficie de otros objetos.

Sombra Virtual

Proyección de la sombra sobre el plano horizontal, es decir, de lo que habría pasado si la el objeto donde se proyectó la sombra no hubiese estado allí.

Perspectiva Isométrica

Sistema de proyección que consiste en tres ejes, x (largo), y (ancho) y z (altura), que forman ángulos iguales de 120º entre sí.

La ventaja principal de este sistema de representación es la posibilidad de representar a escala desde una sola perspectiva.

Punto de Fuga

En un sistema de proyección con Perspectiva Real o Cónica, se denomina Punto de Fuga al lugar geométrico donde convergen las rectas paralelas a una dirección dada en el espacio.

Separatriz de Luz y Sombra

Conjunto de aristas que separan a una cara de luz de una cara de sombra. La separatriz forma una poligonal cerrada que atraviesa el cuerpo.

Punto de Medida

Es el punto que se forma en la intersección entre el horizonte (la línea horizontal que se proyecta desde el Punto de Fuga) y la primera vertical (esta puede ser tanto desde la izquierda como desde la derecha).

Reflexión

Personalmente lo que más me interesó del curso fue lo vinculado a Dibujo Técnico. Creo los temas que tabajamos y los trabajos estaban buenos, porque fue distinto a lo que vimos en los demás años. Fue muy variado, hicimos una maqueta, un collage escultórico que noa tenía idea de lo que era, aprendimos de varios autores interesantes, apreandimos a que para estudiar un pintor hay que estudiar las corrientes a las que perteneció, su evolución, su época y sus principales obras, etre otras cosas y por supuesto Dibujo Técnico.

Dibujo Técnico me gustó porque dimos algo que nunca había estudiado, Teoría de la Iluminación fue muy interesante y fue un reto, un desafío, porque yo nunca había tenido dificultades en entender la materia Comunicaciáon Visual, hasta que dimos Teoría de la Iluminación y sombras, que requería prestar mucha atención en clase y mucha práctica. Una vez que lo entendí me gustó mucho.

Me gustó mucho también perspectiva real, que aunque yo ya lo conocía, lo pude aprender más a fondo, me gustó crear espacios con esta técnica, ya que se veían como un lugar real. Me pareció un tema más sencillo e interesante, creo que le agarré la mano y el gusto bastante rápido. Este tema me permitió entender como funciona la vista humana al percibir objetos en tres dimensiones, mediante Puntos de Fuga.

El autor que más me interesó fue Chillida, sus esculturas y la variacion de materiales que utilizó me resultaron impresionantes. También sus collages escultóricos, un concepto que nunca había visto y me gustó mucho, y crear uno fue divertido.

Me gustó qaue no fueran lamínas “sueltas” sino que en general había un proceso a seguir, había que hacer algo siempre en base a la lámina anterior, y me parece que eso le da un orden interesante a los trabajos, en los que se puede ver la evolución. Por ejemplo, en base a los tres prismas de madera que usamos a principio de año, creamos varios módulos, con los que creamos en collage escultórico, y luego a partir d euna parte de ese collage, creamos la maqueta. Fue además muy creativo, y nunca habia puesto tanto esfuerzo y dedicacion en la creación de una maqueta.

En defintiva, lo mejor del cuaso para mí, es que me hizo gustar más la materia. Me parece una buena culminaciaón de esta materia, que “lamentablemente” no voy a tener nuevamente en mi formación.

Petit Mondrian

(1879 -1994)

Nacio en los paises bajos, fue un pintor vanguardista neerlandés, miembro de De Stijl y fundador del neoplasticismo, junto con Theo van Doesburg. Evolucionó desde el naturalismo y el simbolismo hasta la abstracción, de la cual es el principal representante inaugural junto a los rusos Wassily Kandinski y Kazimir Malévich.

Nació en una familia calvinista. Desde 1892 hasta 1908 estudió en la Academia Estatal de Ámsterdam. Comenzó su carrera como maestro de educación primaria, pero mientras enseñaba también pintaba. Su afición por la pintura le llevó, en contra de los deseos de su familia y más en concreto de su padre, un maestro de creencias calvinistas, a decidir encauzar su vida profesional hacia la carrera artística, cursando sus estudios en la Academia de Bellas Artes de Ámsterdam. La mayor parte de su trabajo de este período naturalista o impresionista está constituida por paisajes en calma. Estas imágenes de su Holanda nativa representan molinos de viento, campos, y ríos, inicialmente de manera impresionista al estilo de "La escuela de La Haya", que hace al autor sucesor de Jongkind, y luego en una variedad de estilos y técnicas que documenta su búsqueda por un estilo personal. Las pinturas en las que predominan los colores malva, gris suave y verde oscuro son las más representativas de su momento inicial e ilustran la influencia de varios movimientos artísticos en Mondrian, incluso el puntillismo y los colores vívidos del fovismo, en los que se vuelca en 1908 por influencia de Jan Toorop.

Su obra Avond ("Tarde") (1908), que presenta una escena de parvas (o niaras) en un campo durante el crepúsculo es un cuadro que ya deja intuir los desarrollos futuros de este pintor; en él usa una paleta que consiste casi exclusivamente en rojo, amarillo y azul. Aunque en ningún sentido es abstracto, "Avond" es el más temprano de los trabajos de Mondrian que da énfasis a los colores primarios.

"Avond" 1908

Las pinturas más tempranas que muestran un vislumbre de la abstracción son una serie de cuadros de 1905 a 1907, en los cuales pinta escenas oscuras de árboles indistintos y casas con reflejos en agua que los hace casi aparecer como manchas de tinta de un proyectivo test de Rorschach. Sin embargo, aunque el resultado final deja ver el énfasis en las formas sobre el contenido, estas pinturas todavía se arraigan firmemente en la naturaleza, y es sólo por el conocimiento de estos logros de Mondrian que se llegan a reconocer las raíces de su abstracción futura.

Posteriormente fue él y sus trabajos se vieron influenciados profundamente por los "Moderne Kunstkring" (1911) en la exhibición de cubismo en Ámsterdam. Su búsqueda por la simplificación se muestra en dos versiones del cuadro Stilleven met gemberpot (Naturaleza muerta con una olla de jengibre). La versión cubista, de 1911, y la abstracta de 1912, en la que el tema es reducido a una forma redonda con triángulos y rectángulos.

“Stilleven met gemberpot" 1911- cubista

Entre 1911 y 1914 estuvo en París, donde recibió la influencia cubista. Volvió a Ámsterdam. Allí conoció, en 1915, a Van Doesburg, con el que fundó el grupo De Stijl en 1917. En torno a esta revista De Stijl (El estilo), publicada entre 1917 y 1926, se constituyó un grupo de artistas que recibieron la directa influencia de la "revolución cubista", entre los cuales Mondrian es el pintor más importante. En la revista Mondrian desarrolló su teoría sobre una nueva forma artística a la que denominóneoplasticismo y que él consideraba como la verdadera pintura abstracta.

Su teoría señalaba que el verdadero arte no debería considerar la plasmación imágenes de objetos reales, sino que el objetivo de la pintura debería ser intentar revelar lo que hay más allá de la realidad. A Mondrian se debe la frase: “Para lograr un enfoque espiritual en el arte, se necesita apoyarse lo menos posible en la realidad, porque la realidad se opone a lo espiritual”.

“Stilleven met gemberpot" 1911- abstracto

Mondrian rechazaba los aspectos de la pintura asociados con la textura, la superficie (una superficie plana debía incluir sólo elementos planos, eliminando las líneas curvas y trabajando únicamente con líneas y ángulos rectos) y el color (llegando a utilizar exclusivamente los tres colores primarios, rojo, azul y amarillo, y los tres no colores, blanco, negro y gris).

En 1921 redujo su paleta a los colores primarios, blanco y negro. En 1930 la estilista Lola Prusac crea para la Casa HERMÈS en París una línea completa de bolsos y equipajes directamente inspirados en las obras de Mondrian con recortes rojos, amarillos y azules.

En la década de los años 1940, sus trabajos se volvieron más vívidos en ritmo, menos estructurados al yuxtaponer áreas de colores brillantes y cálidos.

La teoría de Mondrian ha sido relevante en el siglo XX trascendiendo la pintura e influyendo en las demás expresiones estéticas: diseño, decoración, arquitectura, y escultura.

Eduardo Chillida

Vida y obra

Eduardo Chillida fue un escultor español, nacido en San Sebastian en 1924, es considerado uno de los más importantes del siglo XX.

Eduardo Chillida realizó los estudios de primaria y secundaria en el Colegio de los Maristas de su ciudad natal y en 1943 se trasladó a Madrid para comenzar la carrera de arquitectura. Aunque nunca acabaría dichos estudios (en 1947 abandonó la facultad para dedicarse exclusivamente al dibujo y la escultura), algunos de los preceptos ahí aprendidos, tales como la relación entre volúmenes y espacio, tendrían, a la postre, una importancia decisiva en la ideación conceptual de sus posteriores trabajos escultóricos.

Sus primeras esculturas son obras figurativas, torsos humanos tallados en yeso como Forma, Pensadora, Maternidad, Torso o Concreción. En todas ellas, el punto de partida es la escultura griega arcaica, pero se aprecia ya su preocupación por la forma interior además de tener un marcado sentido monumental. Los juegos de volúmenes y los valores de la masa lo acercan al lenguaje de Henry Moore. Empezó a modelar obras figurativas, pero poco a poco tendió hacia formas más abstractas. En 1949 realizó Metamorfosis, obra que ya puede ser considerada abstracta.

"Torso" Yeso-1948 (64,5 x 30,5 x 20 cm)

A partir de 1951 la evolución de la obra de Chillida varía sustancialmente debido posiblemente a diversas causas, como pueden ser la lectura de la poesía romántica alemana, su propia reflexión sobre la escultura y su entorno cultural o su acercamiento a la escultura norteamericana de los años 40 y primeros 50. Así pues, comienza a interesarse, además de por los temas, por los materiales, los aspectos técnicos y lo arcaico y popular.

"Forma" Yeso- 1948

Alrededor de 1951, con su empleo en la fragua, se inicia en el trabajo del hierro. Emprende entonces un ciclo de esculturas no imitativas, yendo en aumento su preocupación por la introducción de espacios abiertos. La evolución de la obra de Chillida varía sustancialmente debido posiblemente a diversas causas, como pueden ser la lectura de la poesía romántica alemana, su propia reflexión sobre la escultura y su entorno cultural o su acercamiento a la escultura norteamericana de los años 40 y primeros 50. Así pues, comienza a interesarse, además de por los temas, por los materiales, los aspectos técnicos y lo arcaico y popular. Huye de la imitación de la naturaleza y va en busca de la creación e invención. Cada una de sus obras plantea un problema espacial que trata de resolver con la ayuda del material, según las características o propiedades del mismo. Ilarik (1951) es su primera escultura abstracta. Significa “piedras funerarias” y está inspirada en las estelas funerarias y en los aperos del pueblo vasco. Se aprecia la relación entre la masa maciza del monolito y el espacio que señala. Centrado en el empleo del hierro ejecutó a veces unas obras de macizo aspecto y otras más aéreas. Siempre intentando captar el espacio a base de ritmos geométricos que lo estructuraban arquitectónicamente. Algunos ejemplos son Peine de los vientos, Música de las esferas, Oyarak (Eco) y Espacios sonoros. En Peine de los vientos la naturaleza interviene como un elemento más, sin forzarla. Recurre al viento y al agua, intentando que todos formen parte de la escultura. Para las puertas de Aranzazu busca chatarras y desechos industriales que puedan servirle. No pretende hacer unas puertas donde se coloquen esculturas, sino que ellas mismas sean las esculturas.

"Ilarik" Hierro-1951 

"Peine de los Vientos" Acero -1977 (215x177x185cm c/u)

En 1957 abre una nueva etapa de experimentación. Hasta entonces, en su lenguaje predominaban las líneas horizontales, verticales y curvas y ahora adoptará ritmos lineales más movidos e inquietos, de difícil comprensión. Ejemplos: Hierros de temblor o Ikaraundi (Gran temblor), donde el material férreo se extiende en el espacio sin tratar de capturarlo. También elabora Rumor de límites, Modulación del espacio, la serie de ensayos Yunque de sueños, o la serie Abesti Goroa (Hacia lo alto). Son variadas composiciones que asentadas en rudos bloques de granito o madera, parecen extender sus ritmos al espacio con gran ligereza, a pesar del material, que no lo oculta. En un primer momento, el hierro fue el material preferido para la búsqueda espacial, pero posteriormente introdujo otros materiales como la madera, el hormigón, el acero, la piedra o el alabastro. En la serie Alrededor del vacío, emplea el acero. El mismo material que en Gnomon, Iru Burni o Elogio de la arquitectura. Eduardo Chillida optará por unos materiales u otros de acuerdo a las posibilidades estructurales de los mismos. Elegirá el alabastro, cuya cualidad pone en relieve con la ayuda de la luz para hacer referencias a la Arquitectura. La serie Elogio a la luz, compuesta por trece ensayos de ortogonales volúmenes, cuyas paredes están atravesadas por breves y estrechos corredores que, rectos y curvos, juegan con la luz y la sombra.

"Yunque de sueño X" Hierro y madera-1962 (149,5x52x35cm)

Desde la década de 1980, se especializa en la instalación de piezas de grandes dimensiones en espacios urbanos o en la naturaleza, que contraponen la masa y el espacio. La serie Lugar de encuentros son enormes piezas que aparecen suspendidas en el aire colgando de cables de acero.

"Homenaje a Kandinsky" Alabastro -1965

A lo largo de su vida fue reconocido con numerosos premios, entre los que se encuentran el Príncipe de Asturias en 1987, el Rembrandt en 1975, la bienal de Venecia en 1958 y la Orden Imperial de Japón en 1991, además de ser doctor honoris causa de varias universidades.

Gran parte de su obra se encuentra en el museo Chillida-Leku.

Falleció en 2002, en la misma ciudad en la que había nacido.

"Gravitación" Papel e hilo- 1993 - 28 x 22,5 cm

Proceso-maqueta

Collage Escultorico

Rembrandt

REMBRANDT HARMENSZOON VAN RIJN

 Nació en Amsterdam, Holanda en 1606 y murió en 1669, fue un  pintor  y  grabadorholandés. La  historia del arte  le considera uno de los mayores maestros  barrocos  de la pintura y el grabado, siendo con seguridad el artista más importante de la  historia de Holanda. Su aportación a la pintura coincide con lo que los historiadores han dado en llamar la  edad de oro  holandesa, el considerado momento cumbre de su cultura, ciencia, comercio, poderío e influencia política.
Habiendo alcanzado el éxito en la juventud, sus últimos años estuvieron marcados por la tragedia personal y la ruina económica. Sus dibujos y pinturas fueron siempre muy populares, gozando también de gran predicamento entre los artistas, y durante veinte años se convirtió en el maestro de prácticamente todos los pintores  holandeses. Entre los mayores logros creativos de Rembrandt están los magistrales  retratos  que realizó para sus contemporáneos, sus  autorretratos  y sus ilustraciones de escenasbíblicas. En sus autorretratos, especialmente, encontramos siempre la mirada humilde y sincera de un artista que trazó en ellos su propia biografía.
ETAPAS
Primer período en Ámsterdam (1632-1636)
      Rembrandt comenzó a pintar escenas bíblicas y mitológicas de carácter más dramático, fuertemente contrastadas y en grandes formatos.
Segundo período en Ámsterdam (1636-1650)
Sus pinturas solían destacar el aspecto dramático de la naturaleza, reflejada en árboles desarraigados y nubes ominosas. Sus escenas bíblicas pasaron de centrarse del antiguo testamento al nuevo.
  En 1642 recibió el encargo de "La ronda nocturna”, su mayor obra y el encargo de retrato colectivo más importante que recibió en este período. Trató de encontrar nuevas soluciones compositivas y narrativas a cuestiones surgidas en obras anteriores.

LA RONDA NOCTURNA

La Ronda Nocturna

Rembrandt pintó este cuadro entre 1640 y 1642. La pintura fue llamada Nacht Wacht por los holandeses y Night Watch por Sir Joshua Reynolds porque en el momento de su descubrimiento los colores al óleo se habían apagado tanto que muchos detalles eran indistinguibles y se parecía bastante a una escena nocturna. Después de sucesivas restauraciones, se reveló que la escena representada era una escena diurna: una partida de mosqueteros pasando de un sombrío patio a la cegadora luz del sol. 

La ronda de noche es una de los cuadros más representativos de la obra pictórica de Rembrandt, por las novedades compositivas y técnicas que aporta. Es el aporte del genio holandés a la pintura barroca. No es el único retrato colectivo que realiza Rembrandt, y aunque relevantes, el autor prefirió los retratos unipersonales y de pequeñas dimensiones (entre ellos sus autorretratos).

Rembrandt se apartó de lo convencional (que generalmente eran retratadas de un modo bastante estático y formal) y generó, en cambio, una escena que sugiere la observación directa de la de acción, más del gusto del  Barroco  imperante. Muestra a los soldados apurados para embarcarse en una misión (que tipo de misión, o si se trataba de un patrullaje ordinario es todavía motivo de discusión).

Este ordenamiento es completamente original y constituye un nuevo modo de concebir el retrato colectivo. Su estilo causó la contrariedad de algunos miembros de la milicia, que por su ubicación en el fondo de la escena son difícilmente distinguibles.

A diferencia de cuadros de la misma temática, en que la disposición de las figuras siguen un orden jerárquico preciso, el pintor basó la colocación de los personajes únicamente en razones plásticas. Los rígidos cánones de los retratos corporativos sólo traducían rutina y convencionalismo e imposibilitaban la expresión personal y dramática.
Sin embargo, la composición aparentemente desordenada está en realidad construida de un modo racional según los dos ejes medios del rectángulo que conforma el lienzo:
Eje horizontal:  Determina el telón de personajes que sirve de apoyo a las dos figuras principales, en primer plano. Los cuatros personajes con trajes de colorido característico dominan el grupo central, dirigiendo la mirada del espectador hacia ellos mismos.
Eje vertical:  Determina la posición del capitán con su traje negro, que se ve apoyado por la figura aneja del teniente, éste de amarillo claro. Esta dos figuras hacen que la escena quede centrada, girando a su alrededor el resto de componentes.
Las  diagonales  que forman la larga lanza y el asta de la bandera se cruzan en el centro luminoso de la escena, encuadrando los tres grupos de personas con una línea imaginaria, quedando los dos mandos de la compañía en la posición preponderante de la escena.

El dibujo, apenas esbozado, queda disminuido por la importancia del color y la luz, siendo poco nítidos los contornos de las figuras. Influido por  Caravaggio, Rembrandt usa eltenebrismo  y el  claroscuro, creando fuertes contrastes entre la penumbra y la luz. La luz proviene de la izquierda, según la dirección de las sombras proyectadas. Esta luz, a pesar de su concepción realista, no actúa uniformemente, sino que ilumina y destaca a ciertos personajes y relega a otros a la sombra. En ocasiones parece que nace del interior de las figuras, como en el caso de la niña que corre. La iluminación es la gran protagonista de este cuadro, porque recrea una atmósfera mágica de penumbras doradas, sombras envolventes y luces cegadores.